La cuarta edición de la feria de arte contemporáneo Plateada empezó el viernes, en un día soleado y luminoso que la feria aprovechó gracias a la posibilidad de montar la puesta en el hall principal y las plazas secas vidriadas del Teatro Argentino de La Plata. Organizada por el Museo Provincial de Bellas Artes Emilio Pettoruti, dependiente del Instituto Cultural de la Provincia de Buenos Aires, su entrada es libre y gratuita hasta este domingo.

Es la primera feria de arte contemporáneo que se realiza en La Plata, y lleva dirección artística de los curadores Facundo Belén y Virginia Martín. Esta edición marca un récord de participantes: pasó de 25 proyectos a 39 en relación al año pasado, que van de galerías a propuestas editoriales seleccionadas entre 100 postulaciones recibidas. Se espera la asistencia de más de 3 mil visitantes a lo largo del fin de semana.

“El origen de la feria apunta sobre todo a la inclusión y formación de proyectos de la provincia de Buenos Aires, que muchas veces son lejanos a los centros de exhibición y al mercado”, señaló el curador y gestor Facundo Belén.

Por su parte, el historiador del arte y director del Museo Emilio Pettoruti, Federico Ruvituso, planteó que entre un colectivo o una galería emergente y las ferias más consolidadas del país “no había ninguna conexión de información” sobre cómo presentarse, aplicar o profesionalizarse.

En ese sentido aparece esta feria, que da protagonismo a los artistas, galerías y colectivos habilitando un espacio de prueba y experimentación. Estos representan a distintas ciudades y regiones. La organización busca plasmar un mapeo actualizado del circuito emergente y federal y tender puentes con las capitales culturales.

Además de arte visual, hay una isla editorial con publicaciones, un espacio institucional con colecciones patrimoniales bonaerenses, y gastronomía, tragos y café en la parte descubierta del predio. A su programa se le suma un itinerario alternativo y simultáneo de actividades y muestras en galerías y sitios de La Plata. Esta cuarta edición entregará también dos premios. A continuación, una guía intuitiva de muestras de arte destacadas de esta edición, para descubrir, deleitarse y sorprenderse.

El proyecto porteño trae una muestra cuya obra céntrica es una auténtica fuente de Malbec. Fue el disparador, cuenta la galerista Bárbara Echevarría, y a partir de esa idea, materializada hasta de forma olfativa en la exhibición, se convocó a un grupo de artistas a producir colectivamente. “Incluso en el peor contexto, el encuentro y compartir deben ser prioridad”, señalan.

Hay una serie de copas de vidrio intervenidas por todos ellos, cada una con su distinta personalidad, y aquel que compra una activa la fuente, pudiendo servirse de ella. Todo resulta en una performance interactiva que se combina con un escenario rosado, de festejo, al cual la pintora Luana Cabra agregó bordados, pliegues de una tela gruesa llamada “capricho”, que intervino con mezcla de acrílico y el mismo Malbec dando énfasis a la corporalidad de la pintura.

Hay una escultura colgada en la pared de color tornasolado y brillante hecha por el escenógrafo Matías Quintana, que emula el dibujo que el vino traza como recorrido cuando sus gotas chorrean sobre una mesa.

Espacio de Entre Ríos que busca acompañar artistas de esa provincia, montó en esta feria una puesta de dos artistas –uno entrerriano y otro platense–, Lázaro Olier y Hernán Cédola. Su eje central es el cuerpo humano, abordado desde las técnicas tradicionales pero con lenguaje e ideas que abrazan lo contemporáneo.

Los cuerpos que aparecen son no hegemónicos: parten de una búsqueda abstracta, están fragmentados, no responden a una proporción. Delineados con carbonilla, óleo y en esculturas, ponen en tensión la mirada, la luz y la sombra, sobre un telón que es obra en sí misma: está intervenida y borrada con goma, resultando en un dibujo blanco y negro trash.

Hay un ser que de lejos parece un perrito en una de esas posiciones amigables, como acercándose a olfatear, con gesto sociable y tierno. Fue la forma de esta muestra de invitar a la gente a acercarse.

Un colectivo de cuatro artistas formados en La Plata. Sobre una escenografía de peluche en el stand es que se unen sus propuestas. Hay obras escultóricas de casas llenas de moho, que remiten a la Patagonia, donde se crió su autor –el artista Emanuel Reyes–: “cuando se va la nieve allá hay una invasión del musgo, de lo natural queriendo recuperar el espacio habitado por el hombre. La obra es una crítica a la invasión, al cambio climático y los incendios intencionales en el territorio, vinculados a la construcción de mansiones y hoteles”.

Detrás de esta instalación, las pinturas de Ángeles Fiora, de técnicas mixtas para altares intimistas: un baño y una cocina familiar, el retrato de cómo están dispuestos los platos por su madre. “Me interesan como momentos de aura, un cachito de fe entre tanta hostilidad, lo sagrado en lo cotidiano”, dice. A su lado, las pinturas del diseñador Fernando Bisignani, rombos y cuadrados abstractos que hablan del tiempo que corre, tapan y niegan marcas a lo largo del proceso, y establecen encuadres que recortan y dejan cosas afuera a propósito: “La síntesis siempre tiene que estar en juego, no lo simple pero sí como proceso que atraviesa lo complejo”, exclama.

Por último, la presencia de Selva Goeta completa el stand con odas al detalle, que son impresos con volumen y sin tinta sobre papel, inspirados en la arquitectura platense y el paisaje rural. Hay que acercarse, y se develan entonces las obras y tramas.

La galería porteña trae a la feria un solo show de la platense Agustina Girardi que es muy teatral; con serigrafías que homenajean la novela norteamericana Stone Butch Blues, y a sus citas como “su leyenda la precedía”, que evoca al misterio y la intriga de conocer a alguien de quien ya uno ha escuchado hablar.

También hay diamantes, retratos de amantes, guantes oscuros con uñas filosas doradas y sus rayos brillantes que rasgan la pared, y un video proyectado del andar de la artista por el cementerio. Hay una “lápida”, que dice en italiano con amor, tus afectos, y un retrato al “derecho al infierno” que asume con humor “pecados” por las primeras conversaciones subidas de tono en Internet en una tipología de Nokia 1100 bañada en glitter.

“Se cerraban todos los ministerios y dijimos: abramos uno”, dicen riendo Sofía Falbo, Pierina Nochetti y Flore Rodriguez, artistas y gestoras de Necochea y La Plata.

Son las impulsoras de este proyecto itinerante nacido en 2023 en el contexto de la asunción de Milei, con la idea de “juntarse a hacer por hacer, e incluso no hacer, porque hubo gente que vino a estar con nosotras en el taller sin hacer porque estaba cansada”, cuentan.

Con el espíritu de reunirse para la creación colectiva, produjeron textil, serigrafía, hasta poemas bordados con citas a Sbarra como “De todo lo que conozco quiero más“, y todo luce aquí muy bien.

El proyecto porteño montó aquí una serie titulada Mi mar, de la artista rusa Anna Solo, que decidió irse de su país en contexto de la guerra y ahora reside en Buenos Aires. Trabajaba en un laboratorio de química, allí aprendió a generar esmaltes propios y de ellos están bañadas unas esculturas de medusas que se pegan con arena y hasta membranas de vidrio que brillan a la luz de los reflectores ultravioleta. La serie habla de la “pérdida del suelo”, de migrar.

“La medusa representa el fluir, el desplazamiento para sobrevivir más allá del sentimiento de pérdida, que permanece, y la conexión con el mundo a partir de ese movimiento”, ensayan la artista y la galerista. A partir de las medusas, estos animales de una belleza tan curiosa y distinta, cuyos retratos protagonizan el stand, la práctica de Solo medita sobre la naturaleza humana y los mundos interiores, sobre la mudanza como libertad.

Galería de General Villegas que montó un sci-fi de paleta gótica, en el diálogo entre trabajos de tres artistas: Javier Fernández, con textiles hechos de materiales recuperados; Laura Saskor, con óleos de escenarios naturales, y Penny Di Roma, con seres hechos de biomateriales –como arcillas de papel, cera y cristales cultivados en su propio taller–, para explorar la transformación como concepto.