El teatro del Siglo de Oro español, al igual que el teatro isabelino en Inglaterra, era un espectáculo de masas, popular, que requería de una gran cantidad de producción textual. Los nombres de sus principales artistas, como Lope de Vega, Calderón de la Barca y Tirso de Molina, en España eran marcas que garantizaban público y lectores en sus versiones impresas, que no se libraban de la piratería de la época. El teatro permitió a los escritores convertir sus historias en un trabajo que les proporcionaba buenos ingresos.

“El lugar de legitimación en esa época era el éxito de taquilla. Al lado lo tenías a Cervantes muriéndose de hambre y tratando de hacer teatro para ganar dinero”, interviene la académica de la Universidad Torcuato Di Tella Karina Galperín, quien promueve por estos días el ciclo Clásicos españoles, versiones americanas, que busca llevar a escena adaptaciones contemporáneas de las obras del Siglo de Oro español.

El proyecto comienza en la UCLA en el año 2014, en el marco del programa Diversifying the Classics, a cargo de Barbara Fuchs. La iniciativa trabaja tanto la traducción al inglés de las obras del Siglo de Oro como el impulso y la producción de puestas en escena que amplíen el corpus tradicional de los materiales que suelen programarse esporádicamente de ese período en Latinoamérica.

En Buenos Aires prevalece mucho más el teatro isabelino y jacobino que la presencia de textos del Siglo de Oro. La experiencia más reciente en el teatro San Martín fue Don Gil de las calzas verdes, de Tirso de Molina, en el año 2020.

“Se trata de un proyecto transversal que une la producción teatral con el estudio académico, pero que, en la asignación de las obras que realicé a los artistas Tamara Tenenbaum y Lolo y Lauti, termina con obras que permiten expandir los repertorios que se ponen en escena en ciudades importantes del mundo americano,” explica Galperín.

“Por otro lado, me sorprendo viendo estas recepciones, que son lecturas de la tradición y en las que uno empieza a ver qué cosas nuestra época percibe como productivas, qué cosas todavía tienen para decir, y también eso permite entender los obstáculos para llevar a escena estos materiales».

Galperín eligió dos comedias. En primer lugar, El mágico prodigioso, de Calderón de la Barca, un texto de 1637 que le fue asignado a la dupla conformada por Lolo y Lauti, artistas visuales y performáticos. El material original toma el mito de Fausto para pensar la historia de un erudito que realiza un pacto con el demonio para conquistar a Justina, una mujer inalcanzable.

“Tuvimos una etapa de investigación larguísima, leyendo obra tras obra sin encontrar el gancho desde el lenguaje”, explica Lautaro Camino sobre su trabajo junto a Lorenzo Anzoátegui.

“Entonces cambiamos el eje de la búsqueda y empezamos a rastrear obras con imágenes. Aprendimos, gracias a las charlas con Bárbara y Karina, que en el Siglo de Oro aparecen las salas de teatro tal como las conocemos hoy, y con eso se desarrolla la escenografía, los trucos, la espectacularidad, algo que antes no existía porque las obras las hacían troupes itinerantes con montajes rudimentarios. Así llegamos a El mágico prodigioso. Nos encontramos con imágenes maravillosas, llenas de fantasía. Estas imágenes las trabajamos con Rodrigo Moraes, artista que hizo los videos, y creamos un mundo bidimensional que, sumado a la coreografía de Manuel Attwell, nos ayudó a crear un mundo inspirado en Bugs Bunny, García Ferré, el animé de Heidi y el Fausto gauchesco de Estanislao del Campo».

Lolo y Lauti mantienen el texto original, atravesado por un proceso de edición para llegar a una versión sintetizada de veinte páginas de una obra con una extensión de doscientas páginas. En la puesta asumen el desafío de decir esos versos en español antiguo, pero visualmente realizan un desplazamiento que propicia asociaciones y vínculos con estéticas impensadas.

“El Siglo de Oro para nosotros es texto,” comenta Galperín. “Lolo y Lauti recuperaron el texto porque los actores hablan con los versos de Calderón y, sin embargo, el corazón de la puesta en escena no son los versos, sino la imagen, lo pop, ese juego con una música que viene de la cultura popular, como Palito Ortega. El trabajo visual le da un toque irónico, como si esa obra estuviera tematizando nuestra ambivalencia con esa tradición y con lo contemporáneo».

Las condiciones de producción textual del Siglo de Oro se asemejan bastante a los modos en que hoy se escribe una serie para la televisión o las plataformas. A los dramaturgos se les demandaba muchísima cantidad de obras y tenían talleres con colaboradores autorales que eran lo que hoy llamamos ghostwriters.

Por esta razón, la elección de Tamara Tenenbaum para llevar adelante la versión de Los malcasados de Valencia, de Guillén de Castro, un texto de 1618, estimula la faceta de guionista de la autora del ensayo y la serie El fin del amor.

“Tamara decidió dejar el texto a un costado y hacer una reescritura del material”, señala Galperín. “Evidentemente, Tamara percibió al texto original como un obstáculo, aunque ella no lo diga en esos términos. Recuperó el tema, la comedia de enredos, pero el texto es un remozamiento total».

Los malcasados de Valencia es la primera obra de teatro que termina con dos divorcios y presenta esa decisión de las parejas de terminar con su matrimonio como un final feliz. “Yo creo que Tamara no quiso ver el divorcio como un final feliz y muestra al final una escena donde, en los cuerpos de los actores, parece que el vínculo continúa”, opina Galperín después de ver un ensayo de la obra, que es la primera experiencia como directora de Tamara Tenenbaum. “Creo que su mirada contemporánea se interesa por lo que pasa después del divorcio, especialmente cuando hay un hijo en común».

El tema le permite a Tamara Tenenbaum situar la historia en la actualidad y contar el itinerario de una compañía de músicos que reversionan canciones del Siglo de Oro mientras viven sus conflictos amorosos y reflexionan sobre el sexo, los vínculos y las maneras de afrontar los problemas de pareja.

“Me parecía interesantísimo que una obra del siglo XVII terminara con dos divorcios, pero hoy eso lo encontrás en cualquier obra de la calle Corrientes y no pasa nada. Entonces me puse a pensar qué divorcios hoy son tabú, y me apareció la idea de divorciarse embarazada».

La versión de Tamara Tenenbaum tiene el formato de una serie en el modo en que reescribió los diálogos y plantea los cortes y el montaje entre situaciones. “Creo que es un material muy cercano al teatro comercial, es claramente una comedia de puertas,” interviene Tenenbaum.

“Cuando empecé a pensar qué voy a hacer con este texto, decidí llevarlo a la actualidad porque, no diría que es irrepresentable, pero sí muy difícil de llevar a escena. Cuando empecé a actualizarlo, vi una comedia de la calle Corrientes, con divorcios, infidelidades, pero no quería que fuera solamente eso. Entonces introduje las canciones, que es lo único que tenemos del texto original, con los versos reordenados. A mí me importaba hacer ingresar la textura del material original a la obra. Pensé en las canciones porque la música es muy amparadora al momento de decir esos textos que me parecían difíciles de representar«.

Y agrega algunos elementos sobre el modo en que esta propuesta se articula con sus inquietudes como dramaturga. “A mí me interesa volver al teatro de situación. Me gusta mucho la idea de que haya escenas donde pasen cosas porque siento que es algo que no está tan de moda en el teatro últimamente. Seguir la trama, querer saber cómo termina, me cautiva, me gusta verlo en el teatro y en la literatura, y me encontré con ese formato en el teatro del Siglo de Oro».

El proyecto genera una intervención sobre la escena teatral al proponer un repertorio clásico poco transitado y asignarlo a artistas que, si bien habían versionado otras tradiciones teatrales, no eran afines al universo del Siglo de Oro. Estos encuentros desafían el imaginario y los contextos de producción, además de establecer estímulos entre el saber académico y la realización artística.

“Yo creo que hay algo de nuestro respeto académico por estas obras que obstaculiza el camino hacia la escena«, declara Galperín.

“Nuestro disfrute erudito no solo compite, sino que va en contra del disfrute del público. Yo no quise contaminar el trabajo de los artistas porque, para mí, Tamara, Lolo y Lauti son un primer público. Fue a los primeros a los que tuve que seducir y pensé que, si a ellos les gustaba, entonces tenía que darles el espacio para que hicieran lo que quisiesen con el material porque el desafío era pensar cómo hacemos para que estas obras nos sigan gustando, incluso al precio de tener que transformarlas».

El mágico prodigioso y Los malcasados de Valencia se presentan el miércoles 22 y el jueves 23 de julio a las 20 en Fundación Cazadores (una a continuación de la otra en ambas fechas).